录音棚内，灯火通明。柔和的暖光灯照亮了整个空间，吸音棉包裹的墙面呈现出沉稳的深灰色，中央的录音区摆放着一支古朴的竹笛和一个精致的麦克风，控制台前，编曲、混音、录音等多位工程师各司其职，屏幕上跳动着复杂的音轨波形图。
陆砚辞亲自执笔的《传承》歌词稿，用钢笔写在泛黄的稿纸上，静静躺在控制台上。歌词巧妙地串联了“竹编”“陶埙”“昆曲”三大非遗元素，“竹篾挑花缠岁月，陶埙吹彻旧时光，水袖翻飞昆曲韵，一脉相承是东方”，简单的几句歌词，勾勒出千年文化传承的脉络。编曲老师正在尝试将AI还原的昆曲名家《牡丹亭》唱段，与现代的弦乐编曲进行融合，小提琴的悠扬与昆曲的缠绵交织，却总感觉缺少一点灵魂的共鸣。
“这里，间奏部分。”陆砚辞指着谱子上的标记，语气坚定，“我想做一个‘跨时空合唱’。让青溪的AI声线，与刚刚优化好的竹笛大师AI声线进行合奏，一唱一吹，一古一今。然后，在情绪最高点，接入云栖村小学合唱团孩子们清亮的童声，形成过去、现在、未来的三重共鸣。”
制作人有些迟疑，推了推眼镜说道：“陆总，这三种声音质感差异很大——青溪的声线是虚拟的、温润的；竹笛大师的声线是醇厚的、带着岁月痕迹的；孩子们的童声是稚嫩的、纯粹的。三者融合不好，很容易显得杂乱无章，破坏歌曲的整体性。”
“要的就是这种差异带来的震撼。”陆砚辞目光深邃，抬手示意编曲老师播放一段小样，“你听，竹笛的醇厚代表着过去，是那些沉淀在岁月里的文化瑰宝；青溪的声线代表着现在，是科技为传承搭建的桥梁；孩子们的童声代表着未来，是文化传承的希望。这不仅是声音的叠加，是三个维度的共鸣，是过去、现在与未来的对话，是文化生生不息的具象化表达。”
他走到录音区，拿起那支竹笛，轻轻吹奏了一个音符：“我们要让听众在歌声中感受到这种传承的力量，感受到那些逝去的大师并未真正离开，他们的艺术通过科技得以延续，又通过孩子们的声音得以新生。”
团队成员们被陆砚辞的构想打动，立刻投入到调整中。编曲老师重新编排了弦乐的铺陈，让竹笛的旋律作为主线，青溪的声线作为和声，孩子们的童声则在副歌部分渐强，形成层层递进的情感张力。为了让童声更具感染力，陆砚辞特意带着团队去了云栖村小学，录制孩子们的合唱。教室里，孩子们穿着朴素的校服，眼神清澈，歌声稚嫩却真挚，没有复杂的技巧，却充满了纯粹的生命力。
在视觉呈现上，陆砚辞同样要求极致。制作歌词mV时，他坚决反对使用浮夸的特效，而是要求以实景和细节为核心。“青溪演唱昆曲时，全息投影要同步展示水袖的舞动轨迹，从起势到收势，每一个动作都要参照昆曲名家的表演进行还原；要特写展示昆曲妆容的勾勒过程，从底色的涂抹到眉眼的描绘，再到唇妆的点染，让观众看到昆曲妆容的精致；甚至要放大戏服上苏绣的细节，让观众能清晰地看到每一针的走线，感受到苏绣的精湛工艺。”
他强调：“我们要让mV成为非遗文化的微型纪录片，而不是虚拟偶像的个人秀。当唱到竹编时，镜头要切换到林晓父亲编织竹篮的场景，特写他布满老茧的手指如何灵巧地挑压竹篾；当唱到陶埙时，要展示陶土在转盘上被塑造成型的过程，火焰烧制时陶埙颜色的变化。我们要让观众在欣赏歌曲的同时，全方位地感受非遗的美。”
期间，有市场部的同事建议：“陆总，是不是可以在副歌部分加入一些电音元素？现在年轻人喜欢这个，更容易引爆流行，提升歌曲的传播度。”
陆砚辞摇头，语气平和却坚定：“非遗，不需要刻意去‘讨好’年轻人。它们本身的美，历经千年沉淀，足够厚重，足够动人。我们要做的，是引导，是呈现，是用最本真、最纯粹的方式，让年轻人自己去发现、去理解、去共鸣。如果电音元素会掩盖竹笛的醇厚、昆曲的缠绵，那我们宁愿不要。文化传承，从来不是迎合潮流，而是坚守本真，然后静待花开。”
经过数周的打磨，《传承》的最终版本终于成型。当三种声音在录音棚内完美融合，当mV的画面与旋律精准匹配，整个团队都沉浸在这种跨越时空的震撼中。陆砚辞闭上眼睛，仿佛看到了竹笛大师的微笑，看到了孩子们奔跑在稻田里的身影，看到了非遗文化在科技的助力下，绽放出全新的光芒。
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